¿Algo tan dificil se puede hacer tan bonito? // Introducción al color 09.10

Los primeros análisis son ópticos, posteriormente, si queremos reafirmar esas primeras percepciones recurrimos a otros sentidos como el del tacto. En el primer análisis tenemos una percepción clara de la forma y del color, y una intuitiva de la textura.

La información percibida la primera vez, se asocia en todas las visiones posteriores del mismo objeto o similares a la cualidad tactil experimentada. De tal manera que, a las texturas, con el fin de poder evocarlas sin verlas ni tocarlas, se les ha descrito por medio del lenguaje hablado, para que nuestro cerebro procese las mismas y tengamos una idea exacta de esa cualidad diferencial que confiere identidad a cualquier objeto.

Así podemos decir que la seda es suave, el papel de lija es áspero o el tronco de un árbol es rugoso, hablar de la lisura de un espejo, de la aterciopelada piel de un melocotón, del brillo refulgente y suavidad de una porcelana o del mate y rasposa superficie de un cacharro de barro





La textura es una cualidad diferencial que ayuda a distinguir y reconocer los objetos, todo lo que percibimos por el sentido de la vista esta compuesto por formas, colores y texturas.
La materia de la que estan hecha hechos los objetos tiene en si unas peculiaridades propias de rugosidad ,suavidad , aspereza,etc;
Todas estas cualidades pueden aglutinarse en torno a dos grandes grupos :

1.- Las texturas visuales: aquellas que poseen un caracter bidimensional, Mucho de lo que percibimos como textura está pintado, fotografiado, filmado... simulando una materia que realmente no está presente y por lo tanto no podemos comprobar por medio del tacto, pero si tenemos información por la luz que recibe y refleja, por las sombras y por archivado en nuestro cerebro.

2.-Las texturas táctiles: las que se identifican por tener una estructura fundamentalmente tridimensional

Tipos de textura:

1.-Las Geometricas: son texturas uniformes y mecanicas de poco valor plástico en si mismas, pero que combinadas de manera adecuada , permiten efectos esteticos muy interesantes.

2.- Las organicas: que son todas aquellas texturas cuya estructura no guarda un orden matematico , sino que son producto de lo aleatorio o de los efectos obtenidos mediante la aplicacion de un medio plastico: barras de carboncilllo,tintas etc; sobre un soporte,papel ,tela..





http://www.xtec.cat/~aromero8/acuarelas/texturas.htm
Clase de Judit García (CES Felipe II 2010 "Artes visuales de la imagen")

Viene del francés coller, que significa pegar
El collage es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado, ésta técnica en lugar de imitar la realidad, como se estilaba hasta entonces, compone las obras con trozos de realidad.

En pintura, un 'Collaje' se puede componer enteramente o solo en parte de fotografías, madera, piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc. Aunque se considera que fue Picasso quien inventó el collage en 1912 con su pintura Naturaleza muerta con silla de rejilla

En la historia del arte el collage surge hace cien años, como un desafío, ya no se trataba de imitar la realidad, sino de hacer cuadros a partir de fragmentos y pequeños trozos de realidad. Esta técnica fue muy empleada por los futuristas y dadaístas.

Los materiales más empleados para collage son planos, como telas, papeles, cartón, fotografías, fragmentos de plástico, recortes de periódico. También se pueden utilizar objetos con volumen como prendas de vestir, cajas, objetos de metal.



http://www.ceibal.edu.uy/contenidos/areas_conocimiento/expresion/090302_collage/tcnica_del_collage.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Collage

El círculo cromático es una clasificación de los colores. Se denomina círculo cromático al resultante de distribuir alrededor de un círculo los colores que conforman el segmento de la luz. Los colores más comunes de encontrar en un círculo cromático son seis: amarillo, anaranjado, rojo, violeta, azul y verde, aunque para las artes gráficas en el formato digital los colores sean amarillo, rojo, magenta, azul, cian y verde. La mezcla de estos colores puede ser representada en un círculo de 12 colores, haciendo una mezcla de un color con el siguiente y así sucesivamente se puede crear un círculo cromático con millones de colores.

El hexagrama es una estrella de seis picos que se coloca en el centro del círculo cromático. Aunque depende del número de colores usados en el círculo es la cantidad de picos que tenga dicha estrella. Esta estrella muestra los colores complementarios.

Los colores opuestos en el círculo cromático son aquellos que se encuentran uno frente al otro.

* El amarillo es el color opuesto al azul
* El magenta es el color opuesto al verde
* El cian es el color opuesto al rojo



En el círculo cromático se puede observar que hay pares de colores ubicados diametralmente opuestos en la circunferencia, unidos por el diámetro de la misma; a estos pares de colores se les suele llamar "colores complementarios" o "colores opuestos", ya que al superponer uno de estos colores sobre un fondo de su color opuesto, complementan el espectro visible, el contraste que se logra es máximo. Esto se denomina "armonía de contraste de opuestos o complementarios". En este caso, se consideran lo siguientes colores complementarios u opuestos:

http://www.solodisenio.com/la-proporcion-del-color/
http://es.wikipedia.org/wiki/C%C3%ADrculo_crom%C3%A1tico

Una ágina intereante, en la cual viene mucha información acerca de lso complementarios es: http://www.xtec.cat/~aromero8/acuarelas/complementarios.htm

Componer es un proceso organizativo mediante el cual se ordenan sobre el plano o en el espacio, los elementos del lenguaje plástico y visual con intenciones expresivas determinadas, es la configuración visual de un conjunto organizado de elementos

Factores que intervienen en la composición:

-Ejes o esquemas compositivos: es un conjunto de líneas maestras que organizan los espacios donde van a estar situados los elementos visuales

composición central (estabilidad)



en forma de espiral, proporcionando movimiento



composición con presencia de líneas curvas que producen dinamismo



-Fornato: Tiene que ver con la forma y orienntación de una superficie, es todo el espacio donde se configura la composición, según el formato de una obra varían las culidades expresivas.

Tipos de formato:

Vertical: sensación visual de equilibrio y elevación. Potencia el sentido de elevación y espiritualidad



Horizontal:calma y estabilidad, ayuda a cear efecto de orden.



Triangular, da gran estabilidad a las formas situadas en su base y limita la expansión de las formas en la parte superior



y otro tipo de formatos como el circular, de movimiento envolvente, o cuadrado, que centra bin la visión y eqilibra las tensiones visuales.

-Figura y fondo: El campo visual es el espacio que ocupan las formas y colores.
en el campo visual podemos distinguir entre figura y fondo.

El peso visual, o centro de atención, es el centro de interés de la composición, las formas o colores que más llaman la atención, hacia donde se dirige nuestra mirada.
esto, influye en factores como el tamaño (de mayor tamaño pesa más que de pequeño), colores (los más cálidos pesan más que los fríos), tono (los tonos claros sobre oscuros pesan más) y la ubicación

-Peso y equilibrio: se consigue con la distribución y la compensación correca del peso visual y de la dirección de las formas.

-Simetía: es un sistema básico que permite la colocación ordenada de las formas, organizadas respecto a un eje.



-Ritmo y movimiento: el ritmo es el principio del arte que indica el movimiento con la repetición de elementos u objetos.
la semejanza es un factr dentro del ritmo, porque donde hay semejanza hay repetición, y por tanto, ritmo y cadencia.

El movimiento visual es elñ principio del arte usado para crear la impresión y la sensación de acción y para guiar los ojos del observador por la obra de arte.
La proporción se refiere a la relación existente entre elementos de similar configuración pero de diferente tamaño.

-Proporción



Blog coloR: http://aprendercolor.blogspot.com/search/label/COMPOSICI%C3%93N

Mi cuadro favorito desde que lo di en historia del arte:


Alegoría del triunfo de Venus, National Gallery de Londres.

Pintor italiano predominantemente áulico y uno de los más destacados representantes del manierismo.

MANIERISMO: El manierismo es un estilo artístico que predominó en Italia desde el final del Alto Renacimiento (ca. 1530) hasta los comienzos del período Barroco, hacia el año 1600.

Se trataba de una reacción anticlásica que cuestionaba la validez del ideal de belleza defendido en el Alto Renacimiento.
El manierismo se preocupaba por solucionar problemas artísticos intrincados, como desnudos retratados en posturas complicadas. Las figuras en las obras manieristas tienen frecuentemente extremidades graciosas pero raramente alargadas, cabezas pequeñas y semblante estilizado, mientras sus posturas parecen difíciles o artificiales
Los colores no remiten a la naturaleza, sino que son extraños, fríos, artificiales, violentamente enfrentados entre sí, en vez de apoyarse en gamas.


La diosa del amor y la belleza es identificada por la manzana de oro -que le concedió Paris en el famoso juicio- que porta en la mano izquierda y la paloma de la esquina izquierda de la escena. En la mano derecha, Venus lleva la flecha que ha arrebatado a Cupido, el joven que la besa. A los pies de la diosa encontramos unas máscaras, posiblemente símbolos de la sensualidad, que representan la ninfa y el sátiro, levantando la vista hacia los amantes. El Placer Loco, el niño sonriente que lleva una pulsera en el tobillo, tira pétalos de rosa, sin interesarse por la espina que atraviesa su pie derecho. Tras el Placer se halla el Engaño, hermoso de rostro pero con un horrible cuerpo, ofreciendo en su mano un panal de dulce miel mientras que con la otra oculta el aguijón de su cola. En la zona izquierda de la composición se sitúa una oscura figura, considerada tradicionalmente como la representación de los Celos pero identificada en la actualidad como la Sífilis, terrible enfermedad que en el siglo XVI había adquirido proporciones de epidemia. Con todos estos símbolos, se considera que el significado de la composición se identifica con el Amor impuro que es gobernado por el Placer con la ayuda del Engaño, amor que trae dolorosas consecuencias. La figura del Olvido, arriba a la izquierda, sin capacidad de recordar, intenta cubrir la escena con un velo pero el Tiempo se lo impide.
Las frías figuras desnudas se destacan, como si de un esmalte o de mármol se tratara, sobre un intenso azul ultramar, renunciando Bronzino al fondo, de la misma manera que en los dibujos pintados para la fábrica ducal de tapices. La composición muestra la influencia de Miguel Angel, especialmente su famoso cartón que muestra a Venus y Cupido besándose, así como de algunas obras de Pontormo, el maestro de Bronzino. (Oleo sobre tabla)

http://es.wikipedia.org/wiki/Manierismo
http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/obras/8350.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Bronzino

90 grandes obras del Musée d’Orsay
Reinterpretación de este periodo de esplendor artístico que transformó definitivamente la manera de hacer y entender el arte: con Manet como hilo conductor, el Impresionismo aparece aquí presentado como la gran eclosión de la Modernidad que efectivamente fue, pero superando la visión tradicional que hacía de él una ruptura radical con la tradición y poniendo de relieve, por el contrario, cómo el entusiasmo de los impresionistas por la modernidad fue también compartido, a su modo, por otras corrientes pictóricas de aquel momento (academicismo, simbolismo, realismo…).



Aunque el término Impresionismo se aplica en diferentes artes como música y literatura, su vertiente más conocida, y aquélla que fue la precursora, es la pintura impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo éste. El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente. Siendo diametralmente opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las vanguardias.



Avances que determinaron este movimiento fueron :

Impacto del ferrocarril, Impacto de la fotografía, Impacto del óleo en tubo, Impacto de la Naturaleza y de la Luz e Impacto del Tiempo

CARACTERÍSTICAS

-El paisaje como tema principal:Es uno de los géneros más fructíferos. El paisaje ofrece un campo donde todos los interes de los impresionistas se ven concentrados: el aire libre, el contacto con la Naturaleza, el encuentro con la Luz. Ésta se verá modificada con el paso del tiempo y los matices colorísticos irán cambiando a medida que avanza el día. Dentro del paisaje, también es frecuente el tema de la representación del agua de la nieve y el hielo. Se aman las superficies en que los reflejos y los matices cromático-lumínicos se hacen infinitos. La aparición de la figura es menos frecuente, y si lo hace es rodeada de paisaje.(Ahora la figura es pretexto para representar el paisaje, mientras que en el Clasicismo había sido a la inversa). Ello no quiere decir que no haya escenas de interior cuyo máximo exponente es Degas, al que le preocupan temas como la danza o los caballos, ambos relacionados con la velocidad y la instantánea.



-Técnica: Los impresionistas se caracterizan por su técnica rápida, de largas pinceladas cargadas de materia pictórica. Esto fue duramente criticado por los más anclados a la tradición, llegando a decir que "los nuevos" estrujaban directamente sus tubos sobre los lienzos. De la última etapa de Monet se dice que sus obras no son pinturas, sino más bien escultura sobre el lienzo. Muchas veces se apunta a Goya como un precedente para este tipo de pincelada.

Color: Es significativo el que los impresionistas eliminen de su paleta el color negro, lo hacen porque observan que las sombras nunca son negras, sino coloreadas. Al igual, el blanco puro no existe, sino que la luz lo carga de matices innumerables. Apuestan por el color puro, aunque pueden permitirse el mezclarlos directamente sobre la superficie del lienzo.

Ausencia de perspectiva: Los impresionistas abolen el concepto de la perspectiva euclidiana que había regido el concepto de la pintura hasta entonces, es por ello que desaparece el "primitivo" punto de fuga. Apuestan por una pintura plana y bidimensional porque en realidad es como percibe nuestra retina. Esto ya lo anticipó Manet con su Pífano.



http://es.wikipedia.org/wiki/Impresionismo
http://www.mapfre.com/fundacion/es/exposiciones/cultura/coloquio-impresionismo.shtml
http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/impresionismo/impresionismo.html