¿Algo tan dificil se puede hacer tan bonito? // Introducción al color 09.10

Quería simbolizar la importancia de todo mi alrededor en mi, yo, situada en el centro, con mis ojos, siendo yo misma, visdualizo mi alrededor, en el fondo con mi gente, nombres de las personas de las que me intereso dia a dia, y que me importan demasiado, en mi pelo, en mi cabeza, millones de noticias que pasan a mi alrededor diariamente, y en mi cara, exactamente mi cuello y barbilla, tonos y pieles de gente que veo todos los dias, como compañeros, amigos, familiares...
Quería representar de esta forma lo que me rodea.

Vicente Alemany Sánchez-Moscoso, "Arte del siglo XX: apuntes a principio de un siglo", Biblioteca de Humanidade.Publicaciones del departamento de filosofía de la U.N.E.D

Me gustaría realizar un estudio íntegro de éste libro, ya que me ha resultado interesante la transición de todo este siglo.

La modernidad fue cumbre en momentos de máxima efervescencia social, política y cultural, clima propio de la vanguardia. Para que una propuesta se considerase nueva y vanguardista debia de negar radicalmente las propuestas anteriores. La necesidad de renovación y ruptura es una de las circunstancias que hace dificil la interación de la historia del arte de este siglo.
Las vanguardias defendían un comportamiento creativo vinculado al concepto de modernidad, asociado con el de progreso. Los pintores del S XIX estaban comprometidos con el desarrollo social de su época.
En París, los primeros años, surge el cubismo a partir de una serie de aportaciones, Picasso es el principal percusor de este movimiento.
En Alemania surge el expresionismo, con Kandinsky y en Holanda con Mondrian.
Futurismo, Dadaismo y Surrealismo son otros de los movimientos de las vanguardias característicos de este siglo.
Alemany realiza un estudio profundo de Marcel Duchamp, artista moderno de este siglo, y de sus obras principales, "desnudo bajando la escalera", "el gan vidrio" y "eart doné"

Se trasladó la capital cultural de París a Nueva Yorkhecho decisivo para el arte moderno. Desde 1945 hasta la actualidad, tras la apertuda del MOMA, aparece el expresionismo abstracto americano, cuyos antecedentes eran Miró y Picasso, y los artistas de este movimiento más a resaltar fueron Pollock y Kooning.

A partir de 1960 surge la segunda generación de pintores americanos, el Neodadaismo, que produce una ruptura conceptual respecto a los prespuestos de la vanguardia anterior. Pop art, nouveau Realisme, Body art son algunos de los movimientos de estos años.

El desarrollo final del movimiento moderno vino de la mano de la escultura y estaba en sintonía con la última generación de la pintura vanguardista americana.

Y en la última parte del libro se centra en la arquitectura, un paso "rápido" por el siglo, desde Mies Van Der Rohe, pasando por Brancusi en la escultura acaba centrandose en las respuestas americanas: el postminimalismo, land art y arte conceptual. Y las respuestas europeas: Fluxus, arte povera y accionismo vienés.

Me ha venido realmente bien el libro para ampliar mis conocimietos acerca de todo el arte del siglo XX, aparte de la pintura, en la que se centra mayoría del libro, toca temas como la escultura y la arquitectura que me parece que realemnet van ligadas la mayoría de las veces a la pintura, una evolución por todo el siglo explicada como si una o varias clases de este profesor se tratase.
Leí el libro por gusto, siempre me llamo la atención desde que supe la existencia de él, y no me arrepiento para nada, es mas, me lo leeré de nuevo.

Vicent Van Gogh "Cartas a Théo" Editorial Alianza

Serie de cartas del artista a su hermano que construye la evolución pictórica y espiritual de éste. Desde decepciones hasta esperanzas sin haber sido reconocido artista, las cartas recorren cronologicamente su vida.
Esta frase recoge muy bien una parte con la cual mequedo del libro: “Me gustaría, a través de un cuadro, expresar algo consolador tal y como ocurre con la música”. Continuamente toca pintores como Delacroix, Raubens, Renoir, Goya, Seurat.. Me parece realemnte interesante cómo habla, además de él, de lo que le influye a su alrededor, ya que se puede observar como y porqué es necesario que un artista observe su entorno.
"nada de punteado, nada de vetas, nada, tintes planos pero que armonizan", refiriendose al cuado del dormitorio, es una frase que puede resumir muy bien la técnica pictórica y los pensamientos Vicent acerca de sus obras.

Es un libro que estoy segura de que si lo vuelvo a leer en unos años cuanod sepa más acerca de la pintura comprenderé mucho mejor porque trata demasiados temas interesantes sobre los que no tengo mucha idea, por ejemplo pinceladas, tipos de colores, sensaciones que se intentan transmitir... Aún así, lo que he llegado a entender, que a sido una gran parte, me ha resultado demasiado interesante, aparte de ser un buen pintor, me parece maravillosa la manera que tiene de escribir, y realmente valiosas las cartas hacia su hermano, ya que gracias a ellas se sabe mucho más acerca de este gran artista.

BARROCO

El color, la luz y el movimiento, son los elementos que definen la forma pictórica. El color predomina sobre la línea. Incluso, los efectos de profundidad, perspectiva y volumen se consiguen más con los contrastes de luz y de tonalidades del color que con las líneas nítidas y definidas del dibujo. La luz se convierte en un elemento fundamental en la pintura barroca. La luz dibuja o difumina los contornos, define también el ambiente, la atmósfera del cuadro, y matiza los colores. La utilización de la técnica del claroscuro llega a la perfección gracias a muchos pintores del Barroco.



Se pretende transmitir sensación de movimiento. Las composiciones se complican, se adoptan perspectivas insólitas y los volúmenes se distribuyen de manera asimétrica. Mientras que la dinámica del espacio, la visión de las escenas en profundidad, la estructuración de las composiciones mediante diagonales y la distribución de manchas de luz y de color, configuran el espacio como algo dinámico, donde contornos se diluyen y las figuras pierden relevancia frente a la unidad de la escena.
Se produce en esta época un dominio absoluto de la técnica pictórica, tanto en la pintura al óleo sobre lienzo como en la pintura al fresco. Ello permite alcanzar un gran realismo en la representación pictórica.
El dominio de la técnica, que logra representar con gran fidelidad la realidad, hace que se intente en ocasiones engañar al espectador por medio de trampantojos.



Las obras barrocas están dotadas de un profundo naturalismo. El pintor barroco plasma la realidad tal y como la ve, con sus límites imprecisos, sus formas que salen y entran, los objetos de primer plano intrascendentes, los escorzos y las posturas violentas, y las composiciones diagonales que dan a la obra gran dinamismo.

Predomina el color y la luz sobre el dibujo, y busca los efectos de contraste que producen las luces y las sombras, con una técnica que se llamará tenebrismo. El tenebrismo consiste en el choque violento de la luz contra la sombra. Da a las obras un rabioso naturalismo. El fondo queda en penumbra, o desaparece, mientras que la escena queda en primer plano. El eclecticismo trata de salvar el gusto clásico dentro de la nueva estética. Si en el tenebrismo se aboga por el naturalismo en el eclecticismo se hace por el idealismo


Entre los más grandes pintores del período barroco se encuentran Caravaggio,[4] Rembrandt,[5] Rubens,[6] Velázquez, Poussin,[7] y Vermeer.[8]

ITALIA



Caravaggio, es el creador y divulgador del tenebrismo, Su enfoque realista de la figura humana, pintada directamente del natural e iluminada dramáticamente contra un fondo oscuro, sorprendió a sus contemporáneos y abrió un nuevo capítulo en la historia de la pintura. La pintura barroca a menudo dramatiza las escenas usando los efectos lumínicos del claroscuro;

ESPAÑA



el barroco supone el momento culmen de la actividad pictórica, destacando sobre un magnifico plantel de pintores, la genialidad y maestría de Velázquez. El barroco es para España la época de oro de la pintura.
Su técnica preferida es el óleo, aunque utilizan todas. Al igual que en Italia, la pintura se debatirá ente el tenebrismo y el eclecticismo
Riabalta, Ribera, Murillo
Zurbarán Trata de conmover desde la sencillez. Es un pintor adicto al tenebrismo, con el que consigue modelados muy plásticos
Velazquez Hace grandes avances técnicos, como la resolución de la perspectiva aérea

FLANDES



RubensTiene obras que glorifican a la Iglesia triunfante, como El descendimiento, o El levantamiento de la cruz, en las que la composición diagonal remarcan la teatralidad, pero junto a esas obras tiene escenas profanas, de temática mitológica, en las que utiliza el desnudo, como Las tres Gracias.
Rembrandt Utiliza el claroscuro tenebrista de una manera muy acusada Sus obras respiran espiritualidad. Pinta retratos de la sociedad,

TECNICA
Dominio absoluto de la técnica pictórica, tanto en la pintura al óleo sobre lienzo como en la pintura al fresco: realismo, trampantojos, naturalismo, dinamismo, tenebrismo, eclecticsmo, claroscuro

LUZ
La luz dibuja o difumina los contornos, matiza los colores
COLOR
Predomina obre la línea

MOVIMIENTO
Las composiciones se complican, se adoptan perspectivas insólitas y los volúmenes se distribuyen de manera asimétrica

Wassily Kandinsky, "de lo espiritual en el arte", editorial Premia, Quinta edición, 1989 México.

Kandinsky fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica.
El libro está dividido en capitulos, con una pequeña introducción a lo que se va a ver posteriormente. En el primero, "el movimiento" representa la vida espiritual como un triángulo agudop dividido en tres partes, al ir descendiendo cada vez mas ancho que grande, el cual dividido en partes en las que se hayan artistas. Compara este triángulo con la organización del mundo del arte.
En el segundo clasifica las seccionesdel triángulo, compara este rumbo con cosas materiales y posicciones sociales y políticas. Se centra en "El arte se nutre del resto de artes" Maeterlnck (literatura, introduce un mundo fatástico y sobrenatural), Wagner (Músico, caracteriza al héroe con medios musicales) Debussy (crea impresiones tomadas de la naturaleza y transformadas en imagenes musicales, la naturaleza es el objetivo de sus creaciones) y en la pintura, artistas como Picasso, Rosseti, Segatini, Cézanne, Matisse son el centro de atención de este arte.
En el tercero el arte busca su sitio, puede aprender de otra arte sirviendose de sus medios para utilizar los suyos. referencia del pasado a la actualidad, ahora diferentes artes encuentran su espacio y medios de expresión exclusivas, una serie de artistas, actos, y procesos construyen una pirámide espiritual, la cual compara con el avance del tiempo.
Compara dos parámetros del color, el efecto físico (busca hechos, vivencia, atracción) con el psicológico (el arte debe de ser entendido)y produce un acercamiento de las personas con el arte, formas, composición y color crean experiencias diferentes para cada una de las personas, dependiendo del momento, sentimientos, estados de cada una de ellas.
En el capitulo cinco, tres factores influyen en el arte, la presonalidad, la época y lo puramente artístico.
El capitulo sexto lo dedica a una "comnversación con el artista" cuadro-espectador y en el últimodeja claro quien es el artista y qué la obra.

El libro es realmente interesante, demasiadas metáforas y un poco difñicil de leer, para leerlo tranquilamente. Lo conociá desde hace ya unos años, y siempre había tenido ganas de leer cosas de este artista, pero tenía entendido que era demasiado difícil hace unos años, y me a resultado interesante leerlo ahora.

La veladura consiste en capas muy delgadas de pintura, de forma que se transparente la capa inferior, así el color que veremos es el resultado de la mezcla del color inferior más el de la veladura.

Para realizar una veladura es necesario que la capa inferior esté perfectamente seca. Dicha capa inferior puede ser de óleo o de acrílico, pero nunca debe hacerse al contrario, es decir, no debe pintarse acrílico sobre óleo. En la antigüedad se utilizaba frecuentemente una base de temple sobre la que, una vez seca, se iban añadiendo las sucesivas veladuras de color al óleo. La transparencia y profundidad conseguida asín dan una calidad inimitable a las obras pintadas enteramente siguiendo esas técnicas.

Para adelgazar la pintura se deben usar medios sintéticos, especialmente concebidos para este uso. No conviene usar aceite de linaza porque resbala el color y se puede mezclar en otras zonas.

El óleo trabajado a base de veladuras es la técnica de pintar que más se utilizó en el Renacimiento. También fue frecuentemente utilizada por artistas posteriores. Rembrandt, por ejemplo, finalizaba sus cuadros con numerosas veladuras de color transparente sobre la base seca.

(http://es.wikipedia.org/wiki/Veladuras)